“Seria muito difícil ensinar biologia ou engenharia em um estúdio projetado para dança ou música”, disse Jay Scheib, chefe de seção para artes musicais e teatrais, ao MIT News pouco antes da abertura oficial do prédio. “O mesmo vale para ensinar música em uma sala de aula de matemática ou química. No passado, fizemos isso, mas nos limitou.” Ele disse que o novo espaço permitiria que os músicos do MIT ouvissem sua música, pois pretendia ser ouvidos e “proporcionar uma oportunidade de convocar pessoas para habitar o mesmo espaço, respirar o mesmo ar e trocar idéias e perspectivas”.
O edifício, possibilitado por um presente dos falecidos filantropos Edward ’62 e Joyce Linde, já transformou a vida musical diária no campus. Músicos, engenheiros e designers agora se cruzam com mais frequência, enquanto usam suas salas de ensaio, espaços de desempenho, estúdios e espaço para criadores, e suas idéias começaram a convergir de maneiras distintas. Antonis Christou, um estudante de mestrado do segundo ano na ópera do Future Group no MIT Media Lab e um estudioso de Emerson/Harris, diz que está lá “o tempo todo” para aulas, ensaios e composição.
“É muito bom ter um espaço dedicado para a música no campus. O MIT tem programas de música e artes muito fortes, então acho que isso reflete a força desses programas”, diz Valerie Chen ’22, Meng ’23, violoncelista e candidato a PhD em engenharia elétrica que trabalha com robótica interativa. “Mas mais do que isso, acho que faz uma afirmação de que a tecnologia e as artes, e a música em particular, estão muito interconectadas”.
Um edifício sintonizado para acústica e desempenho
A inovação acústica moldou todos os aspectos dos 35.000 pés quadrados de espaço do edifício. Desde o início, a equipe de design enfrentou um desafio fundamental: como criar uma instalação em que tipos radicalmente diferentes de música poderiam coexistir sem interferência. Keeril Makan, o Michael (1949) e o professor de composição musical de Sonja Koerner e decano associado da Escola de Humanidades, Artes e Ciências Sociais do MIT, ajudou a liderar esse esforço.
“Foi importante para mim que pudéssemos ter música clássica acontecendo em um espaço, música mundial em outro espaço, jazz em outro lugar, e também medições muito finas de som tudo acontecendo ao mesmo tempo. E isso realmente faz isso”, diz Makan. “Mas foi preciso muito trabalho para chegar lá.”
Winslow Townson
Esse trabalho resultou em um edifício composto por três blocos artisticamente interconectados, criando três zonas acusticamente isoladas: a sala de concertos Thomas Tull, o espaço da música e da cultura e o fabricante de música Lim Pavilion. Cascas duplas grossas de concreto incluem cada zona, e sua separação física minimiza a transferência de vibração entre elas. Um espaço para a música mundial repousa em uma laje flutuante acima da garagem subterrânea do edifício e é construída usando um método de caixa de caixa, com sua sala interna estruturalmente isolada do resto do edifício. Outras salas usam técnicas relacionadas, com paredes, pisos e tetos separados por camadas de materiais de amortecimento e sistemas de isolamento estrutural para reduzir a transmissão de som.
O edifício foi projetado pela empresa de arquitetura japonesa Sanaa, em estreita colaboração com a Nagata Acoustics, a equipe por trás do Pierre Boulez Saal, em Berlim. Inspirado em parte por esse salão alemão, a sala de concertos Thomas Tull, com 390 lugares, deve atender às variadas necessidades acústicas dos músicos. No interior, as defletores do teto e as cortinas de perímetro possibilitam a adaptação da sala sob demanda, mudando a acústica de ressonante e aberto para música de câmara e performances clássicas para mais seco e mais controlado por jazz ou música eletrônica.
Makan e a equipe de acústica pressionaram por um teto de 50 pés, um requisito da Nagata para flexibilidade acústica e qualidade de desempenho. O resultado é uma sala de concertos que rompe com a forma tradicional. Em vez de ocupar um palco elevado, voltado para as fileiras de assentos, os artistas em Tull Hall estão posicionados no fundo do espaço, com o público sentado em torno e acima deles. Esse layout altera a relação entre ouvintes e artistas; Os membros da platéia podem optar por se sentar ao lado da seção de cordas ou atrás do pianista, experimentando sons e vistas normalmente reservadas para músicos. A configuração circular incentiva o movimento, a intimidade e uma experiência musical mais imersiva.
